22/05/2024

Cuando los humanos imitamos el arte

Sabemos lo que es capaz de hacer el humano en momentos de apreturas. El confinamiento nos lleva a tener que buscarnos la vida para entretenernos, no morirnos de asco vamos, y a muchos les ha dado por imitar obras de arte de toda la vida de forma más o menos afortunada. Esto parece reciente, pero no, es una corriente sobre todo de Instagram en donde se pueden ver esta imágenes. para facilitaros la labor he unido en una sola image el original y la recreación por humanos, con consecuencias para el original en unos casos, que llevarían al pintor a levantarse y meter fuego a quien corresponda. Cada uno que se apañe con sus gustos personales, pero os aseguro que lo que a mi me parece correcto a otro le puede parecer incorrecto. Partiendo de esa base, a correr. Para poder ver más sigue el enlace. Y sin más…

Arreglo en gris y negro n.º 1, más conocido como Retrato de la madre del artista, es un óleo sobre lienzo del pintor estadounidense James McNeill Whistler, fechado en 1871. Mide 144,3 × 162,4 cm, y se exhibe en el Museo de Orsay de París tras su adquisición en 1891 por el estado francés.
Arreglo en gris y negro n.º 1, más conocido como Retrato de la madre del artista, es un óleo sobre lienzo del pintor estadounidense James McNeill Whistler, fechado en 1871. Mide 144,3 × 162,4 cm, y se exhibe en el Museo de Orsay de París tras su adquisición en 1891 por el estado francés.
El cuadro Saturno devorando a su hijo o Saturno devorando a un hijo es una de las pinturas al óleo sobre revoco que formaron parte de la decoración de los muros de la casa que Francisco de Goya adquirió en 1819, llamada la Quinta del Sordo. Por tanto, la obra pertenece a la serie de las Pinturas negras de dicho artista.
El cuadro Saturno devorando a su hijo o Saturno devorando a un hijo es una de las pinturas al óleo sobre revoco que formaron parte de la decoración de los muros de la casa que Francisco de Goya adquirió en 1819, llamada la Quinta del Sordo. Por tanto, la obra pertenece a la serie de las Pinturas negras de dicho artista.
El retrato de Michele Marullo Tarcaniota es una pintura al temple del pintor florentino Sandro Botticelli realizada entre 1494 y 1497. En 1929 fue adquirido por el político y mecenas español Francisco Cambó. En 2019 fue puesto a la venta en la feria Frieze Masters, celebrada entre el 3 y el 6 de octubre en Londres, en el estand de la galería inglesa Trinity Fine Arte.​ La obra está declarada bien de interés cultural (BIC) desde 1988, lo que impide que pueda salir de España sin el permiso de la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico.
El retrato de Michele Marullo Tarcaniota es una pintura al temple del pintor florentino Sandro Botticelli realizada entre 1494 y 1497. En 1929 fue adquirido por el político y mecenas español Francisco Cambó. En 2019 fue puesto a la venta en la feria Frieze Masters, celebrada entre el 3 y el 6 de octubre en Londres, en el estand de la galería inglesa Trinity Fine Arte. La obra está declarada bien de interés cultural (BIC) desde 1988, lo que impide que pueda salir de España sin el permiso de la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico.
El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck; fechado en 1434, representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Giovanna Cenami, que se establecieron y prosperaron en la ciudad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472. Al día de hoy, los historiadores del arte discuten exactamente la imagen que el cuadro presenta; la tesis durante mucho tiempo dominante, introducida por Erwin Panofsky en un ensayo de 1934, sostiene que la imagen corresponde al matrimonio de ambos, celebrado en secreto y atestiguado por el pintor. Sin embargo, muchas otras interpretaciones se han propuesto acerca del cuadro, y el consenso actual es que la teoría de Panofsky es difícilmente sostenible.
El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck; fechado en 1434, representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Giovanna Cenami, que se establecieron y prosperaron en la ciudad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472. Al día de hoy, los historiadores del arte discuten exactamente la imagen que el cuadro presenta; la tesis durante mucho tiempo dominante, introducida por Erwin Panofsky en un ensayo de 1934, sostiene que la imagen corresponde al matrimonio de ambos, celebrado en secreto y atestiguado por el pintor. Sin embargo, muchas otras interpretaciones se han propuesto acerca del cuadro, y el consenso actual es que la teoría de Panofsky es difícilmente sostenible.
El Hijo del Hombre (en francés: Le Fils de l'Homme) es una pintura de 1964 hecha por el pintor surrealista de nacionalidad belga René Magritte, y su obra más conocida.1​ Magritte lo pintó como un autorretrato. La pintura se compone de un hombre con abrigo, corbata roja y bombín de pie delante de un muro. Más allá se ve el mar y un cielo nublado. El rostro del hombre se oscurece en gran parte por una manzana verde flotando. Sin embargo, los ojos del hombre se pueden ver asomando por el borde de la manzana.
El Hijo del Hombre (en francés: Le Fils de l’Homme) es una pintura de 1964 hecha por el pintor surrealista de nacionalidad belga René Magritte, y su obra más conocida. Magritte lo pintó como un autorretrato. La pintura se compone de un hombre con abrigo, corbata roja y bombín de pie delante de un muro. Más allá se ve el mar y un cielo nublado. El rostro del hombre se oscurece en gran parte por una manzana verde flotando. Sin embargo, los ojos del hombre se pueden ver asomando por el borde de la manzana.
El viejo guitarrista ciego es un cuadro realizado por el pintor cubista malagueño Pablo Picasso. Este cuadro fue pintado en 1903 mediante la técnica de óleo sobre lienzo, y sus medidas son de 121cm de alto x 92cm de ancho. En la actualidad se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago, Estados Unidos. Es uno de los cuadros más característicos Período azul de Picasso.
El viejo guitarrista ciego es un cuadro realizado por el pintor cubista malagueño Pablo Picasso. Este cuadro fue pintado en 1903 mediante la técnica de óleo sobre lienzo, y sus medidas son de 121 cm de alto x 92 cm de ancho. En la actualidad se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago, Estados Unidos. Es uno de los cuadros más característicos Período azul de Picasso.
Mujeres en la ventana es un óleo sobre lienzo realizado por el pintor español Bartolomé Esteban Murillo entre 1665 y 1675. Sus dimensiones son de 125 × 104 cm. Se trata de una de las pinturas de Murillo más enigmáticas.1​ Muestra a dos mujeres en una ventana que observan a alguien o algo que llama su atención.1​ Se expone en la Galería Nacional de Arte, Washington D. C., Estados Unidos.
Mujeres en la ventana es un óleo sobre lienzo realizado por el pintor español Bartolomé Esteban Murillo entre 1665 y 1675. Sus dimensiones son de 125 × 104 cm. Se trata de una de las pinturas de Murillo más enigmáticas. Muestra a dos mujeres en una ventana que observan a alguien o algo que llama su atención. Se expone en la Galería Nacional de Arte, Washington D. C., Estados Unidos.
Leda y el cisne. Paul Cézanne (1839–1906). Óleo sobre tela , hacia 1880 o 1882, Altura: 59,8 cm; Ancho: 75 cm. Colección Barnes Foundation. Obras basadas en el mito griego de Leda, hija de Testo y el rey Tindáreo. Cuando caminaba Leda junto al río Eurotas, se le presentó el rey de los dioses, Zeus, transformado en cisne, que fingiendo ser perseguido por un águila, se posó en ella. Esa misma noche, Leda yació con Tindáreo. Se dice que Leda puso después dos huevos, de los cuales nacieron cuatro hijos: Helena y Pólux (inmortales, presuntos hijos de Zeus) y Clitemnestra y Cástor (mortales, supuestos hijos de Tindáreo).
Leda y el cisne. Paul Cézanne (1839–1906). Óleo sobre tela , hacia 1880 o 1882, Altura: 59,8 cm; Ancho: 75 cm. Colección Barnes Foundation. Obra basada en el mito griego de Leda, hija de Testo y el rey Tindáreo. Cuando caminaba Leda junto al río Eurotas, se le presentó el rey de los dioses, Zeus, transformado en cisne, que fingiendo ser perseguido por un águila, se posó en ella. Esa misma noche, Leda yació con Tindáreo. Se dice que Leda puso después dos huevos, de los cuales nacieron cuatro hijos: Helena y Pólux (inmortales, presuntos hijos de Zeus) y Clitemnestra y Cástor (mortales, supuestos hijos de Tindáreo).
La muerte de Marat (en francés La mort de Marat) es una pintura de estilo neoclásico, obra de Jacques-Louis David y una de las imágenes más famosas de la Revolución francesa. Data del año 1793 y mide 165 cm de alto por 128 cm de ancho.
La muerte de Marat (en francés La mort de Marat) es una pintura de estilo neoclásico, obra de Jacques-Louis David y una de las imágenes más famosas de la Revolución francesa. Data del año 1793 y mide 165 cm de alto por 128 cm de ancho.
La joven de la perla, también conocida como Muchacha con turbante, La Mona Lisa holandesa y La Mona Lisa del norte (en neerlandés Het meisje met de parel), es una de las obras maestras del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1665 y 1667, y, como el nombre indica, utiliza un pendiente de perla como punto focal. La pintura se encuentra actualmente en el museo Mauritshuis de La Haya.
La joven de la perla, también conocida como Muchacha con turbante, La Mona Lisa holandesa y La Mona Lisa del norte (en neerlandés Het meisje met de parel), es una de las obras maestras del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1665 y 1667, y, como el nombre indica, utiliza un pendiente de perla como punto focal. La pintura se encuentra actualmente en el museo Mauritshuis de La Haya.La joven de la perla, también conocida como Muchacha con turbante, La Mona Lisa holandesa y La Mona Lisa del norte (en neerlandés Het meisje met de parel), es una de las obras maestras del pintor neerlandés Johannes Vermeer realizada entre 1665 y 1667, y, como el nombre indica, utiliza un pendiente de perla como punto focal. La pintura se encuentra actualmente en el museo Mauritshuis de La Haya.
La joven (en alemán, Die Jungfrau) es un óleo sobre tela de grandes dimensiones, casi cuadradas: de 190 centímetros de alto por 200 cm de ancho, pintado en 1912-1913 por el pintor austríaco Gustav Klimt; es uno de sus últimos cuadros. También es conocido como La virgen o Las vírgenes. Se conserva en la galería de arte del Museo Nacional de Praga Es una composición vista en picado, de arriba abajo. Su formato circular le da gran dinamismo. Hay varios cuerpos femeninos entrelazados, unos desnudos y otros con vestidos de inspiración rumana. A su vez, estos cuerpos se entrelazan con elementos decorativos con los que los cuerpos se entrelazan: espirales, círculos, flores, cintas. Se encuentran en una especie de isla flotante sobre una superficie oscura. Se distinguen los rostros de las muchachas: unas dormidas, otras despiertas pero somnolientas. Una de ellas mira fijamente fuera del cuadro. Se representan así diversas etapas de la inconsciencia antes de llegar a ser mujer. Klimt utiliza colores suntuosos. La riqueza de los ornamentos le da un aire oriental.
La joven (en alemán, Die Jungfrau) es un óleo sobre tela de grandes dimensiones, casi cuadradas: de 190 centímetros de alto por 200 cm de ancho, pintado en 1912-1913 por el pintor austríaco Gustav Klimt; es uno de sus últimos cuadros. También es conocido como La virgen o Las vírgenes. Se conserva en la galería de arte del Museo Nacional de Praga. Es una composición vista en picado, de arriba abajo. Su formato circular le da gran dinamismo. Hay varios cuerpos femeninos entrelazados, unos desnudos y otros con vestidos de inspiración rumana. A su vez, estos cuerpos se entrelazan con elementos decorativos con los que los cuerpos se entrelazan: espirales, círculos, flores, cintas. Se encuentran en una especie de isla flotante sobre una superficie oscura. Se distinguen los rostros de las muchachas: unas dormidas, otras despiertas pero somnolientas. Una de ellas mira fijamente fuera del cuadro. Se representan así diversas etapas de la inconsciencia antes de llegar a ser mujer. Klimt utiliza colores suntuosos. La riqueza de los ornamentos le da un aire oriental.
La chiquita piconera es el cuadro más conocido y considerada obra cumbre del pintor Julio Romero de Torres.1​ Concluido en 1930, poco antes de la muerte del pintor, se trata de un cuadro de 100x80 cm pintado al óleo y temple sobre lienzo.1​ La modelo del cuadro, una joven de 13 a 14 años, fue María Teresa López que también sirvió de modelo para el cuadro La Fuensanta.2​3​ La obra fue reproducida por la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre en un sello de 5 pesetas.4​
La chiquita piconera es el cuadro más conocido y considerada obra cumbre del pintor Julio Romero de Torres. Concluido en 1930, poco antes de la muerte del pintor, se trata de un cuadro de 100×80 cm pintado al óleo y temple sobre lienzo. La modelo del cuadro, una joven de 13 a 14 años, fue María Teresa López que también sirvió de modelo para el cuadro La Fuensanta. La obra fue reproducida por la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre en un sello de 5 pesetas.
La bola de cristal (en el original inglés, The Crystal Ball) es una pintura al óleo de estilo prerrafaelita de John William Waterhouse completada en 1902. Waterhouse exhibió en 1902 este cuadro junto a El misal en la Royal Academy of Arts. La pintura muestra a una joven bella mujer observando con atención una bola de cristal en un entorno del interior de un edificio con influencia del estilo del Renacimiento italiano con líneas verticales y horizontales, combinadas con semicírculos «en lugar de los arcos apuntados del gótico». Una ventana establece el único contacto con el mundo exterior. El uso de un fuerte color rojo en el vestido refuerza en gran medida el uso de colores vivos y brillantes de los prerrafaelitas. Forma parte de una colección privada perteneciente al empresario mexicano de origen asturiano, Juan Antonio Pérez Simón.El cuadro ha sido restaurado para mostrar la calavera, símbolo de la fatalidad y de la muerte, que había sido cubierta por un dueño anterior.
La bola de cristal (en el original inglés, The Crystal Ball) es una pintura al óleo de estilo prerrafaelita de John William Waterhouse completada en 1902. Waterhouse exhibió en 1902 este cuadro junto a El misal en la Royal Academy of Arts. La pintura muestra a una joven bella mujer observando con atención una bola de cristal en un entorno del interior de un edificio con influencia del estilo del Renacimiento italiano con líneas verticales y horizontales, combinadas con semicírculos ‘en lugar de los arcos apuntados del gótico’. Una ventana establece el único contacto con el mundo exterior. El uso de un fuerte color rojo en el vestido refuerza en gran medida el uso de colores vivos y brillantes de los prerrafaelitas. Forma parte de una colección privada perteneciente al empresario mexicano de origen asturiano, Juan Antonio Pérez Simón. El cuadro ha sido restaurado para mostrar la calavera, símbolo de la fatalidad y de la muerte, que había sido cubierta por un dueño anterior.
La lechera (en neerlandés: Het melkmeisje o también De keukenmeid o De melkmeid) es uno de los cuadros más famosos del artista holandés Johannes Vermeer, cuya datación, como casi toda la obra de Vermeer, solo puede ser aproximada. Se trata de un óleo sobre lienzo de reducidas dimensiones, custodiado en el Rijksmuseum de Ámsterdam.
La lechera (en neerlandés: Het melkmeisje o también De keukenmeid o De melkmeid) es uno de los cuadros más famosos del artista holandés Johannes Vermeer, cuya datación, como casi toda la obra de Vermeer, solo puede ser aproximada. Se trata de un óleo sobre lienzo de reducidas dimensiones, custodiado en el Rijksmuseum de Ámsterdam.
American Gothic (Gótico estadounidense)1​ es un cuadro de Grant Wood de 1930.
American Gothic (Gótico estadounidense) es un cuadro de Grant Wood de 1930. El cuadro ilustra a un granjero sujetando una horca y a una mujer rubia, que unos interpretan como su esposa y otros como su hija, enfrente de una casa de estilo gótico rural. Es una de las imágenes más conocidas del arte estadounidense del siglo XX y se ha convertido en un icono en la cultura popular, siendo una de las imágenes del mundo moderno más reconocidas y parodiadas. Wood quería representar los roles tradicionales del hombre y la mujer, ya que el hombre sujeta una herramienta agrícola simbolizando el trabajo duro en el campo, mientras la mujer viste un delantal, propio de las labores del hogar. Wood tomó como modelos para el cuadro a su hermana Nan (1900-1990) y a su dentista, el doctor Byron McKeeby (1867-1950), de Cedar Rapids (Iowa). La casa la vio desde su coche en Eldon, Iowa, llamando su atención y trazando unos bocetos. El estilo, frontal, hierático y detallado, se inspira en el del arte flamenco del siglo XV. El cuadro se encuentra expuesto en el Instituto de Arte de Chicago.
La Dama de Elche es una escultura íbera realizada en piedra caliza entre los siglos V y IV a. C. Se trata de un busto que representa una dama, ricamente ataviada, cuyo rostro muestra unas facciones perfectas. En la cabeza lleva un tocado compuesto por una tiara cubierta por un velo, una diadema sobre la frente y, en los laterales, dos rodetes que enmarcan el rostro y en los que iría recogido el peinado. La espalda y los hombros aparecen cubiertos con un manto que, en su parte frontal, deja al descubierto tres collares con anforillas y porta-amuletos, pendientes de placas e ínfulas a los lados del rostro y una fíbula que cierra la túnica. En la parte posterior posee una oquedad que sugiere su posible uso como urna funeraria. Originalmente estuvo policromada y con los ojos rellenos de pasta vítrea. La pieza fue hallada casualmente en 1897 en el yacimiento de La Alcudia (Elche, Alicante) y, tras el interés mostrado por el hispanista francés Pierre Paris, fue comprada por el Museo del Louvre. En 1941, fruto de un intercambio de obras de arte entre España y Francia, regresó junto con otras obras y se depositó en el Museo del Prado, y en 1971 pasó a formar parte de los fondos del Museo Arqueológico Nacional de España, en Madrid.1​
La Dama de Elche es una escultura íbera realizada en piedra caliza entre los siglos V y IV a. C. Se trata de un busto que representa una dama, ricamente ataviada, cuyo rostro muestra unas facciones perfectas. En la cabeza lleva un tocado compuesto por una tiara cubierta por un velo, una diadema sobre la frente y, en los laterales, dos rodetes que enmarcan el rostro y en los que iría recogido el peinado. La espalda y los hombros aparecen cubiertos con un manto que, en su parte frontal, deja al descubierto tres collares con anforillas y porta-amuletos, pendientes de placas e ínfulas a los lados del rostro y una fíbula que cierra la túnica. En la parte posterior posee una oquedad que sugiere su posible uso como urna funeraria. Originalmente estuvo policromada y con los ojos rellenos de pasta vítrea. La pieza fue hallada casualmente en 1897 en el yacimiento de La Alcudia (Elche, Alicante) y, tras el interés mostrado por el hispanista francés Pierre Paris, fue comprada por el Museo del Louvre. En 1941, fruto de un intercambio de obras de arte entre España y Francia, regresó junto con otras obras y se depositó en el Museo del Prado, y en 1971 pasó a formar parte de los fondos del Museo Arqueológico Nacional de España, en Madrid.

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