La idea del artista como celebridad: Andy Warhol

La idea del artista como celebridad puede parecer extraña, pero no es más que una extensión del concepto de superestrella en la música, en el cine con los deportes. La condición de celebridad se puede alcanzar por medio del marquetín y la fama resultante además de las habilidades profesionales; pensemos en París Hilton o Ana Kurnikova.

El fenómeno moderno del artista como celebridad se inicia principios de la década de 1960 en Nueva York, cuando Jasper JohnsJasper JohnsWikipedia, James Rosenquit James RosenquistWikipediay Roy LichtensteinRoy Fox Lichtenstein Wikipedia fueron promocionados por los marchantes Leo Castelli, Betty ParsonsBetty Parsons nacida Betty Bierne PiersonWikipedia en inglés y Charles Egan. Andy Warhol es un ejemplo posterior y de mayor éxito. Veinte años después de su muerte, Warhol es el segundo artista más vendido en el mundo después de Pablo PicassoPablo Ruiz PicassoWikipedia. En 2006, se vendieron en subasta en 1.010 obras de Warhol por un valor total de 199 millones de dólares —cinco cada día, todos los días laborables del año—. Cuarenta y tres de esas obras se vendieron por más de 1 millón de dólares cada una —cuatro más que Picasso—, como en el caso de Hirst, la mayor parte de las obras de Warhol serán producidas por técnicos.

Su obra es famosa por reflejar la cultura de la América de finales del siglo XX, aunque su principal producto era «Andy». Creo una marca que la prensa aún adora y los jóvenes artistas todavía reverencian.

Andrew Warhola nació en Pittsburgh, Pennsylvania, en 1928; era el más joven de los tres hijos de un inmigrante chico, de padres trabajadores. Abandonó la «a» final de su apellido al graduarse en el Carnegie Institute of Technology en 1949 y se trasladó a Nueva York para hacer carrera como ilustrador y diseñador gráfico. A principios de la década de 1960 comenzó a pintar lo que más tarde se daría en llamar Pop ArtArte popArte pop es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, presenta una forma de ver y tratar el arte, más global y social, no para pocos (elitista), sino para todos (popular),1 al utilizar imágenes populares en oposición a la cultura elitista existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. Wikipedia, aunque nadie le tomó en serio. Entonces trató de donar un dibujo Shoe al MoMAMoMA → El Museum of Modern ArtEl Museum of Modern Art, más conocido por su acrónimo MoMA, es un museo de arte situado en el Midtown de Manhattan (Nueva York, Estados Unidos), en la intersección de las calles 11 Oeste y 53, y entre la Quinta y la Sexta Avenida. Entre sus obras destacan piezas como La noche estrellada de Van Gogh, Broadway Boogie-Woogie de Piet Mondrian, Las señoritas de Avignon (1907) de Pablo Picasso. La persistencia de la memoria de Salvador Dalí y obras de artistas estadounidenses como Jackson Pollock, Andy Warhol y Edward Hopper. Wikipedia; el museo se lo devolvió.

En 1962, Warhol completó 32 imágenes pintadas a mano de los botes de sopa Campbell’s, ofreciendo las Irving BlumIrving BlumWikipedia en inglés, el legendario director de la Ferus GalleryFerus GalleryLa Ferus Gallery fue una galería de arte contemporáneo que funcionó desde 1957 hasta 1966. En 1957, la galería estaba situada en el 736-A de North La Cienega Boulevard, Los Ángeles, California En 1958, se trasladó al otro lado de la calle, al 723 de North La Cienega Boulevard, donde permaneció hasta su cierre en 1966. Wikipedia de Los Ángeles, para su venta a 100 dólares cada una. La exposición Latas de sopa Campbell le otorgó a Warhol su primera publicidad mediática, en su mayor parte gracias a la influencia de Blum. Las pinturas se pusieron sobre estantes blancos que rodeaban el perímetro de la galería, que recordaba la disposición en una tienda de comestibles. Una galería rival del otro lado de la calle contribuyó al colocar botes de sopa auténticos en su escaparate con el rótulo: «Las tenemos de verdad, a 29 centavos».

Existen diferentes versiones de lo que ocurrió después. La versión es que después de venderse pinturas a 100 dolares cada una, una de ellas al actor Dennis HooperDennis HopperWikipedia, Blum tuvo la repentina inspiración de que el conjunto debería mantenerse intacto, llamó a los compradores y volvió a comprarlas. Después ofreció a Warhol 1000 dólares por las 32, a pagar 100 dólares al mes durante 10 meses. En una segunda versión, no se vendió ninguna de las pinturas y Blum, que se había comprometido con Warhol a vender todo el lote, negociar precios de 1000 dólares.

En 1985 un agente japonés ofreció 16 millones de dólares o 32 pinturas de latas. Blum respondió solicitando 18 millones y la venta no se realizó. En 1995, Blum vendió el lote al Museo de Arte Moderno por 14,5 millones de dólares.

Ha habido muchas teorías que explican por qué Warhol pintaba latas de sopa. Warhol afirmaba que la comida envasada era una materia legítima para una generación obsesionada por los negocios. Añadió que la verdadera cuestión era si él prefería la sopa de tomate o de pollo con fideos y, por tanto, que serigrafía tenía más valor.

Mucho de lo crítico de Warhol han afirmado que las latas de sopa fueron su contribución más importante al arte contemporáneo, que una vez que el concepto de plata pasó del estante a la pared de la galería «jamás volvió a ser contemplado del mismo modo». Las latas de sopa eran el comienzo de un concepto artístico de mercantilización.

Warhol realizó más tarde algunos trabajos individuales tales como latas de sopa Campbell con pequeño desgarro (Puchero de pimienta) (ilustrado), calcando las imágenes directamente de fotografías y de pinturas a mano dentro de sus marcas a lápiz. En Puchero de pimienta las marcas del lápiz todavía son visibles; se cree que esto es intencionado. La serie de latas de sopa ayudó a Warhol a centrarse en lo que los medios iban a promocionar, Puchero de pimienta fue adquirida por el coleccionista de Los Ángeles, Eli BroadEli BroadWikipedia en inglés —un industrial que figura en el puesto 42 de la conciliación de la revista Forbes de los hombres más ricos de América— en Christie’s Nueva York en mayo de 2006 por 11,8 millones de dólares. Se dice que su esposa, Edythe, sentada junto a él, sin conocer su puja, masculló: «¿Qué clase de idiota habrá comprado eso?», ante el inmenso regocijo de todos los que lo oyeron.

Más tarde, en 1962, Warhol comenzó a realizar serigrafías de celebridades: Marilyn Monroe, Elizabeth TaylorElizabeth Rosemond TaylorWikipedia, Elvis Presley y Jackie KennedyJacqueline Kennedy OnassisWikipedia. Las imágenes se basaban en fotos publicitarias de estudio. La producción implicaba la transferencia de las fotos ampliadas a lienzo, en múltiples imágenes y diferentes combinaciones de colores. Cada marco fue modificado por medio de brochazos o volviéndolo borroso para crear una secuencia de imágenes ligeramente diferentes. Muchas de las celebridades serigrafiadas por Warhol fueron retrasadas en su dimensión trágica: Monroe tras su muerte, Elizabeth aisló inmersa en batalla contra el abuso de sustancias adictivas, y Jackie Kennedy antes y después de la muerte de su marido-presidente.

Mientras estas imágenes generaban publicidad a Warhol, él comenzó a abordar temas más difíciles reproduciendo desastres reales. Cinco muertos de 1963 muestra un accidente de tráfico con víctimas adolescentes vestidos con trajes de fiesta. Desastres del atún«Tunafish disaster» (1963) de Andy Warhol. retrata a amas de casa víctimas de atún contaminado. Su sede y gracia de un desastre más reproducida es Blanco, 1947Suicide de Robert Wiles, una fotografía de la noticia de una modelo que saltó desde el Empire State Building y aterrizó sobre el techo de la limusina de un diplomático. A finales de la década de 1960, los contenidos y la personalidad de Warhol tenían más interés periodístico que sus obras.

Tras alcanzar la felicidad, Warhol volvió de nuevo a las representaciones serigrafía a las de los bienes de consumo: Coca-Cola, Brillo Pads y más latas de sopa Campbell’s. En 1963, trasladó su estudio a un espacio mayor y lo llamó The Factory, con la carga implícita de que el arte podía producirse en una cadena de montaje, igual que los productos comerciales. Por Morris, un cineasta que visitó The Factory, lo bautizó como The Andy Warhol Industrial Complex.

Durante una parte de la década de 1970, su trabajo quedó desfasado. Dos exposiciones consecutivas, Dollar Sign y Hammer and Sickle, no lograron vender nada. Warhol sostenía The Factory haciendo retratos por encargo. Por unos 25.000 dólares creaba un retrato original, con el objetivo de que el modelo pareciera lleno de glamour. El amigo de Warhol, Chris Makos, afirmó que los retratos incluían estiramientos faciales y retoques de nariz. «No sé si Mrs Dusseldorf sabía que la habían colocado los labios de Liza Minelli, pero sin duda resultaba muy favorecida». Sus retratos comerciales eran ridiculizados por otros artistas, pero daban a sus clientes imagen idealizada de sí mismos.

Warhol afirmaba la obra cuando el cliente la recogía en su estudio, junto a retratos de celebridades como Mick JaggerMichael Philip JaggerWikipedia, Liza MinelliLiza May MinnelliWikipedia y Rudolf NureyevRudolf Xämät ulı Nuriev conocido como Rudolf NuréyevWikipedia. La promoción boca a boca resultante le comportó nuevos encargos. Warhol realizó un millar de retratos durante su carrera, superando la producción de toda una vida de muchos otros artistas. Tardaba a que en acabar cada obra aproximadamente un día. En la década de 1980, los honorarios por sus retratos ascendieron a 40.000 dólares.

Warhol inicialmente contratado ayudante para convertir fotos comerciales en múltiples serigrafías, pero más tarde encargó los trabajos a impresores locales. Como él mismo explicó: «Las pinturas son demasiado difíciles; las cosas que deseo mostrar son mecánicas». Warhol comprendía los problemas de autentificación originados por sus subcontratos: «Creo que sería estupendo que más gente empezar hacer serigrafías, así nadie sabría si la pintura era mía o de otro».

En la primera década del siglo XXI, bastante tiempo después de su muerte, el Comité de Autentificación de la Obra de Andy Warhol tiene exactamente ese problema —evaluar qué obras son auténticos Warhols—. La cuestión no es si una obra es una falsificación o un original, ni si sus manos llegaron a tocar la obra. Es la «presencia del artista», si Warhol al menos vio la obra y dio su aprobación cuando la enviaba a su representante. Los eruditos también discrepan en ese criterio; argumentan que era exactamente la práctica de desdibujar la autoría y utilizar la producción en masa lo que le valió un lugar en la historia. Esto ha desembocado en el caos para los coleccionistas y los marchantes que tratan de dilucidar lo que es auténtico. Algunas pinturas recibidas directamente de Warhol han sido rechazadas por el Comité. También se han rechazado obras auténticas previamente por representantes de la Fundación Warhol y en algunos casos han cambiado el sentido de sus propias opiniones previas.

El Comité nunca explica oficialmente las razones para negar la autenticidad, lo cual ha desembocado en un conflicto de intereses. El Comité de Autenticación está obligado a enviar los informes a la Fundación Andy Warhol, la cual adquirió, a la muerte del artista, 4100 pinturas y esculturas. La Fundación libera algunas obras para que sean subastadas y a unos pocos marchantes electos, como la Galería GagosianGalería GagosianLa Galería Gagosian es una galería de Arte contemporáneo propiedad de Larry Gagosian. La galería tiene diez sedes: cuatro en Estados Unidos (tres en Nueva York, una en Beverly Hills), dos en Londres, dos en Suiza (Basilea y Ginebra), una en Roma, Italia, una en Atenas, Grecia, y una en París, Francia. Wikipedia. Escasean las obras de Warhol de mayor calidad y algunas de la primera época como las «series de desastres». Otras abundan. El mercado tardará 30 años en absorber las obras que actualmente están en poder de la Fundación. En total existen al menos 50 pinturas y serigrafías de Pequeña silla eléctrica, y más de un centenar de obras sobre la silla eléctrica.

En julio de 2007, Joe Simon-Whelam, propietario de un autorretrato de Warhol de 1964, registra una demanda colectiva antimonopolio en el tribunal Federal del distrito de la ciudad de Nueva York contra los herederos de Warhol, la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales y el Comité de Autenticación. El Comité habría rechazado el retrato en dos ocasiones, aunque Simon-Whelan afirmaba que anteriormente ya había sido autenticado por el director comercial de Warhol, Frederick Hughes. La demanda alega que los demandados monopolizan el mercado de las obras de Warhol, por lo que el caso se registró como demanda colectiva de forma que los propietarios de los Warhols pudiera unirse en un único pleito. Si la Fundación y el Comité de Autenticación pierden, los daños podrían estar valorados en millones de dólares, y el juicio podría desembocar en cientos o miles de otras obras de Warhol que se presentarían para ser autenticadas y ofrecidas en subasta.

El número de Warhols no le ha restado importancia en el mercado del arte contemporáneo, ni sus elevados precios. Las obras producidas entre 1962 y 1967 —latas de sopa, celebridades, desastres y autorretratos— están ampliamente reconocidas como geniales y como la causa de que cambiara el curso del arte moderno. Esas obras cosechan los mayores precios.

Durante casi una década, el récord en subasta de Warhol fue la serigrafía de 1964 Marilyn naranja, vendida en Sotheby’s en 1998 por 17,3 millones de dólares. Tres obras se han vendido en privado por entre 25 y 28 millones de dólares: Dick Tracy and Sam Ketchum de 1961 fue accedida por el financiero neoyorquino Henry Kravis Davis Geffen, y el Superman de 1960 por Steve Cohen, ambas ventas negociadas por Larry Gagosian. Cuatro disturbios raciales se vendió a través de la Acquavella Gallery de Nueva York.

Seguidamente, en mayo de 2007 su precio en una subasta explotó. Accidente del coche verde (Coche ardiendo I) fue ofrecida a Christie’s Nueva York con un valor estimado de 25-35 millones de dólares, y acabó vendiéndose por 71,7 millones de dólares —cuatro veces el récord previo de Warhol—. Coche verde muestra imágenes repetidas de un coche en llamas del revés. Parte de su valor procedente de la preocupación de los coleccionistas sobre la «última oportunidad». Warhol creó cinco serigrafías de choques automovilísticos entre 1962 y 1934 para su serie de desastres. Tres se encuentran en museos, y la cuarta es mucho más pequeña.

Las serigrafías de Marilyn de 1964 incluye una serie llamada Shot, otro ejemplo del marketing de Warhol. Poco después de producir una serie de serigrafías de Marilyn, una amiga de Warhol llamada Dorothy PodberDorothy PodberWikipedia en inglés apareció y preguntó si podía disparar a una. Andy le respondió afirmativamente y se quedó asombrado cuando ella sacó un revólver y perforó con un agujero la frente de la primera imagen de la pila —y luego otras dos más—. En lugar de descartar las tres y comenzar de nuevo, Warhol dio publicidad a la historia, hizo restaurar la obra, rebautizó la serie como Shot Red MarilynShot Red Marilyn y aumentó los precios. En subastas posteriores las obras de Shot Red doblaron el precio de las demás serigrafías de Marilyn.

Warhol negó toda intención de crítica social en esta obra. La cuestión se centró en la serie de pinturas y serigrafías Silla eléctrica. Aunque no ha quedado identificada en la obra, la silla eléctrica de la fotografía usada por Warhol en la que se utilizó en 1953 en la ejecución de Julius y Ethel RosenbergEthel y Julius RosenbergWikipedia por revelar secretos nucleares a la Unión Soviética. Se abrieron debate sobre si las tres puertas que aparecen representados los objetivos de la justicia criminal —retribución, encarcelamiento y disuasión— o si representan el cielo, el purgatorio y el infierno. Warhol insistió: «No tiene significado, no tiene significado», una negativa seguramente intencionada como otra forma de marketing.

Toda su vida, Warhol trabajó en el perfeccionamiento de un aspecto andrógeno. En 1981, a la edad de 53 años comenzó a trabajar como modelo de moda, primero para la Zoli Agency y después para la Ford Modelling Agency. En 1986 apareció en algunos anuncios de una compañía de servicios financieros, sentado frente a su propio Autorretrato (Peluca electrizada) de 1986, con el pie de foto «Creí que era demasiado pequeño para Drexel Burnham» (ilustrado). Drexel declaró que el anuncio de Warhol no se filmó para atraer negocios, sino como un elemento más para refrescar su imagen y hacer que los empleados se sintiera mejor con su trabajo. Warhol trató de convencer sin éxito a la compañía para que adoptara su serigrafía del signo del dólar como símbolo de Drexel Burnham.

Justo antes del anuncio de Drexel Burnham, un coleccionista de marca redescubrió a Warhol y comenzó a comprar silenciosamente sus obras a un precio cada vez mayor —y después compró públicamente Triple Elvis en Sotheby’s por ciento 25.000 dólares—, la compra salió a relucir y cuando Larry Gagosian expuso las Pinturas oxidadas, realizadas a base de orina sobre lienzos cubiertos de óxido ferroso, otros coleccionistas de marca —Thomas Ammann y Asher Edelman— compraron, y después otros siguieron su ejemplo. ¿El comprador de marca original? Charles SaatchiCharles SaatchiWikipedia.

Warhol murió el 22 de febrero de 1987 debido a complicaciones postoperatorias tras una operación rutinaria de vesícula. Una de sus últimas declaraciones públicas fue: «La muerte significa un montón de dinero; la muerte se convierte en una estrella». Y así fue. Durante toda su vida jamás consiguió más de 50.000 dólares por una obra, aunque varios de sus primeros trabajos se habían vendido por cantidades algo mayores en subastas. Era en la época en que Roy Lichtenstein y Robert Rauschenberg recaudaban cinco veces más. La fama de Warhol creció a su muerte y con ella los precios que se pagan por sus obras.

La conciencia de la marca de Warhol llegó a tal punto qué tres años después de su muerte, el hermano de Andy, Paul Warhola, montó una exposición de posters de una lata de judías vegetales Heinz, Valorada en 550 dólares y firmada «Paul, hermano de Andy Warhol». La vida laboral de Warhola había transcurrido como chatarrero y granjero de pollos coma y carecía de cualquier talento para el arte. En su lugar, utilizó la técnica de Andy de serigrafía a partir de una foto. Las latas de judías se vendieron. A continuación, Paul creó su propia firma de obras de arte, realizada a base de mojar las patas de pollo en pintura acrílica y caminar con ellos por un lienzo. Esa edición se vendió íntegramente por 5.500 dólares. Después ofreció una línea de camisetas Warhola.

El legado de Warhol ha continuado creciendo a la par que su precio en subasta. A mediados de 2006 se celebró una gran exposición de Warhol en Moscú y otra simultánea, organizada por el director de cine David Cronenberg, en la Art Gallery de Ontario, en Toronto. Se realizaron dos documentales: el minuciosamente planificado Factory Girl, en el cual Sienna MillerSienna Rose MillerWikipedia realiza el papel de la musa de Warhol, Edie SedgwickEdith Minturn Sedgwick Wikipedia, Y un documental de 4 horas sobre su trabajo, obra de Rick Burns. Se publicaron dos libros nuevos; uno de ellos, Andy Warhol, tamaño gigante, tenía 2.000 ilustraciones y pesaba casi 7 kilos. Ningún otro artista de su época se ha acercado jamás a este nivel de celebridad.

La Fundación Warhol se beneficia al permitir la reproducción de su obra para casi cualquier propósito. El fabricante de tablas de snowboard Burton produjo una edición limitada de tablas, botas y sujetadores con los signos del dólar, autorretratos, dibujos de flores y retratos de Edie Sedgwick realizados por Warhol. En diciembre de 2006, los almacenes Barney’s de New York ofrecieron una edición limitada de las latas Campbell’s Tomato Soup, que contenía sopa condensada y llevaban una réplica de las etiquetas con los colores de la obra original de Warhol. Un lote de cuatro latas varia 48 dólares, de los cuales 12 iban a parar a la Fundación.

Si te interesa ver obras de arte de Andy Warhol puedes acceder a muchas de ellas desde aquí.

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